Masterpieces of Painting from the Pola Museum of Art

Nov. 14(Sat), 2020 - Apr. 4(Sun), 2021

The Pola Museum of Art's collection of paintings enables the viewer to trace the evolution of art through a wealth of high-quality works stretching from 19th-century Impressionism to 20th-century abstract art. In this permanent exhibition, we examine some intriguing characteristics of these masterpieces by focusing on two aspects: form and color. In Section I, by comparing painting to the three-dimensional medium of sculpture, we shed light on features of paintings that are related to form. As we compare these two genres, we are also reminded that the use of color is one of painting's unique expressive techniques. Enchanted by color, painters closely observe its effects as they polish their skills day after day, eventually arriving at their own singular means of expression. In Section II, we look at some of the most prominent artists who are known for their original approach to color from a variety of perspectives.

Auguste Rodin, Bust of Mme Nathalie de Goloubeff

Auguste Rodin,
Bust of Mme Nathalie de Goloubeff, ca. 1905, Marble

Edgar Degas, Spanish Dance

Edgar Degas, Spanish Dance,
ca. 1885-1890, Bronze

Pierre Auguste Renoir, Girl in a Lace Hat

Pierre Auguste Renoir,
Girl in a Lace Hat, 1891, Oil on canvas

Edgar Degas, Dancers

Edgar Degas, Dancers,
ca. 1900-1905, Pastel on paper mounted on cardboard

Color and Phenomenon

Color has the power to affect us on an emotional level. The human perception of color is a wholly physical phenomenon based on different wavelength characteristics that emerge when light is reflected by an object. However, like a natural landscape that changes with the seasons or an abundant fruit harvest, bright colors in a painting bring us joy, and dark colors convey a sense of loneliness and profound spirituality. By creating pictures through the ingenious use of color (contrasting and mixing colors, etc.), painters express fantastic subjects, lyrical scenes, robust compositions, and an abundance of dynamism. The colors in a painting are much more than a simple physical phenomenon – they might even be seen as a message from the artist. In this display, we spotlight the exploration of color as seen in paintings from the Pola Museum of Art collection. We hope that you will enjoy the artists' inquiries and challenging approaches to color expression.

Odilon Redon, Flowers in a Japanese Vase

Odilon Redon,
Flowers in a Japanese Vase, 1908, Oil on canvas

Georges Seurat, Low Tide at Grandcamp

Georges Seurat,
Low Tide at Grandcamp, 1885, Oil on canvas

Classical Revival and Modern Japanese Ceramics

Nov. 14(Sat), 2020 - Apr. 4(Sun), 2021 Exhibition room 5
The re-creation in modern times of historically venerated ceramic traditions is known as classical revival. Song Dynasty celadon and Ming Dynasty red overglaze ceramics that had been highly admired by Chinese aristocrats and literati, and Shino, Oribe, and Bizen wares favored by Japanese tea masters during the Momoyama Period inspired new expression among modern Japanese potters. Their interaction with traditional ceramics opened new possibilities for expression, resulting in new works of beauty that surpassed models from the past. Much more than an achievement of highly skilled technique, classical revival works reflect the transmission of aesthetics that have resonated with the Japanese people through the ages to the 21st century. The exhibition introduces approximately 60 ceramic works from the collection, crafted by Kitaoji Rosanjin, Kato Hajime, Okabe Mineo, Arakawa Toyozo, Kaneshige Toyo and others.

Okabe Mineo: Tea bowl, celadon

Okabe Mineo, Tea bowl, celadon, ca. 1966, Photo by Omi Shigeharu

Kato Hajime: Ornamental pot in peacock and rose-and-peony design, gold leaves on overglaze yellowish-green enamel

Kato Hajime,Ornamental pot in peacock and rose-and-peony design, gold leaves on overglaze yellowish-green enamel,1968

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Kuwata Takuro, Tea bowl, 2017
© Kuwata Takuro, Photo by Kioku Keizo

Connections―海を越える憧れ、日本とフランスの150年

会 期:2020年11月14日(土)~2021年4月4日(日)

開催概要

19世紀後半から20世紀初頭にかけて、日本の浮世絵や工芸品は欧米の芸術に大きな刺激を与え、クロード・モネ(1840-1926)やフィンセント・ファン・ゴッホ(1853-1890)など近代を代表する芸術家たちの重要なインスピレーション源となりました。フランスを中心として巻き起こったこの“ジャポニスム”は、欧米のデザインや、伝統を重んじるアカデミックな芸術界にまで広範な影響を及ぼします。時を同じくして、開国を機に欧化政策を進める日本では、黒田清輝(1866-1924)をはじめとする多くの学生たちがフランスへ留学し、彼らが現地で学んだ美術はその後の近代日本美術の礎となっていったのです。また、萬鉄五郎(1885-1927)や岸田劉生(1891-1929)といった大正期の個性的な画家たちの中には、ヨーロッパ留学が叶わないながらも、雑誌や画集を通してフランス美術に対する憧れと情熱をふくらませていった若者が大勢いました。文芸雑誌『白樺』などによって拍車がかかるゴッホの神格化、帰朝者の前衛的な作品による衝撃など、まだ見ぬ異国への憧憬は芸術家たちの想像力をますますかき立てていったのです。
近代化の進む激動の時代、日本とフランスという2つの国は、それぞれに新しい美の基準や感性を模索する上で、互いに必要不可欠な存在であったといえます。本展覧会は、大量のモノや情報、そして人の往来が可能となった時代に、長い歴史の中で培われてきた双方の芸術が織りなした「美の往還」を検証する試みです。また、異文化に対する憧れや好奇心によって生み出された幻想や、ある種のズレにも着目し、国際的に活躍する現代アーティストの作品を通して、異文化理解の本質や魅力にも迫ります。

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クロード・モネ《ヴァランジュヴィルの風景》 1882年
ポーラ美術館

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山口晃《新東都名所 「芝の大塔」》 2014年(平成26)
ミヅマアートギャラリー
©YAMAGUCHI Akira,Courtesy of Mizuma Art Gallery

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黒田清輝《野辺》 1907年(明治40)
ポーラ美術館

h299森村泰昌_肖像(ヴァン・ゴッホ)_1985年_高松市美術館

森村泰昌《肖像(ファン・ゴッホ)》
1985年(昭和60) 高松市美術館

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フィンセント・ファン・ゴッホ
《ヴィゲラ運河にかかるグレーズ橋》
1888年 ポーラ美術館

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ポール・セザンヌ《砂糖壺、梨とテーブルクロス》 1893-1894年
ポーラ美術館

近代陶芸 陶芸家たちの古典復興

会 期:2020年11月14日(土)~2021年9月5日(日) *展示替えのため臨時休館あり
会 場:展示室5

古くから愛されてきた古陶磁に強い憧れを抱き、その再生に挑む陶芸家の取り組みのことを古典復興と呼んでいます。中国の王侯貴族や文人に愛された宋代の青磁や明代の赤絵、日本の桃山時代の茶人に愛された志野や織部や備前などは、現代の陶芸家たちにとって憧れの目標であるとともに、新たな表現を生みだす美の源泉ともなってきました。古陶磁が見せる美に迫ろうとするなかから新しい表現の可能性が見出され、古作を超えるような美しい作品が生まれることになるのです。
古典復興に取り組んだ陶芸家の作品には、たんに高い技術に裏打ちされた表現がみられるだけではありません。そこには、21世紀を生きる現代の私たちにまで、脈々と受け継がれてきた日本人の美意識が反映されているのであり、時代を超えて人々の心に響く、昔も今も変わらない美しさがあるのです。
当館のコレクションの中から、北大路魯山人、加藤土師萌、岡部嶺男、荒川豊蔵、金重陶陽など約60点を展示します。

岡部嶺男 《粉青瓷盌》

岡部嶺男 《粉青瓷盌》 1966年頃 Photo by Omi Shigeharu

加藤土師萌 《萌葱金襴手孔雀牡丹文飾壺》

加藤土師萌 《萌葱金襴手孔雀牡丹文飾壺》 1968年

桑田卓郎 《茶垸》

桑田卓郎 《茶垸》 2017年 個人蔵(特別出品)
© Kuwata Takuro, Photo by Kioku Keizo

コレクション企画

ポーラ美術館の名作絵画

会 期:2020年11月14日(土)~2021年4月4日(日)*臨時休館あり
会 場:展示室2

 

ポーラ美術館の絵画コレクションは、19世紀の印象派絵画から20世紀の抽象絵画に至るまで、質の高い作品によって美術の展開を辿ることができます。今回の常設展示では、「かたち」と「色彩」という二つの観点から、名作絵画の興味深い特徴を繙いていきます。第一のセクションでは、立体である彫刻作品との比較を通じて、あらためて名作絵画の「かたち」にまつわる特徴を浮き彫りとしていきます。彫刻と絵画を比較した際に、絵画独自の表現方法として挙げられるのが、色彩の使用です。「色彩」に魅了された画家たちは、日々の鍛錬の中でその効果を細やかに検証しながら、自らの独創的な表現に辿り着きました。第二のセクションでは、独自の色彩表現に取り組んだ代表的な作家たちを、さまざまな角度からご紹介します。

オーギュスト・ロダン 《ナタリー・ド・ゴルベフの肖像》 1905年頃 大理石

オーギュスト・ロダン
《ナタリー・ド・ゴルベフの肖像》 1905年頃 大理石

エドガー・ドガ 《スパニッシュ・ダンス》 1885-1890年頃 ブロンズ

エドガー・ドガ
《スパニッシュ・ダンス》 1885-1890年頃 ブロンズ

ピエール・オーギュスト・ルノワール 《レースの帽子の少女》 1891年 油彩/カンヴァス

ピエール・オーギュスト・ルノワール
《レースの帽子の少女》 1891年 油彩/カンヴァス

エドガー・ドガ 《踊り子たち》 1900-1905年頃 パステル/紙(厚紙に貼付)

エドガー・ドガ
《踊り子たち》 1900-1905年頃 パステル/紙(厚紙に貼付)

色彩と現象

色彩には私たちの心を動かす力があります。人間の知覚する色とは、物体にあたった光が反射するときの波長の特性のちがいという物理学的な現象にすぎません。しかし、四季折々に移り変わる自然の風景や、豊かに実る果実のように、絵画においても明るい色遣いの作品は気持ちを楽しくさせ、暗い色の絵画は寂しさや深い精神性を感じさせます。画家たちは対比や混色など、色彩を巧みに用いて画面を作り上げ、幻想的な主題や抒情的な場面、堅牢な構図やあふれる躍動感を表現してきました。絵画作品において用いられる色彩とは、単なる物理学的な現象を越えた、作家からのメッセージと言えるでしょう。このセクションでは、ポーラ美術館の絵画コレクションに、色彩の探究という側面から光を当てます。画家たちによる色彩表現への探究と挑戦をお楽しみください。

オディロン・ルドン 《日本風の花瓶》 1908年 油彩/カンヴァス

オディロン・ルドン
《日本風の花瓶》 1908年 油彩/カンヴァス

ジョルジュ・スーラ 《グランカンの干潮》 1885年 油彩/カンヴァス

ジョルジュ・スーラ
《グランカンの干潮》 1885年 油彩/カンヴァス

Connections: 150 years of Modern Art in Japan and France

Nov. 14(Sat), 2020 - Apr. 4(Sun), 2021

Japanese craft art and ukiyo-e prints became an important source of inspiration for European artists such as Claude Monet and Vincent van Gogh in the late 19th and early 20th century. The phenomenon, called Japonisme and centered mainly in France, had far-reaching influence on traditional European academic art and design. At the same time, under Japan’s policy of Westernization, Kuroda Seiki (1866-1924) and a number of Japanese art students who studied in France provided the foundation of modern art in Japan in the manner of French academic practices. In the Taisho period (1912 – 1926), Kishida Ryusei (1891-1929) and many other young talented painters who were not able to study in France satisfied their passion for French art through accounts in contemporary Japanese magazines and art books. The literary magazine Shirakaba (white birch) and other publications stirred fascination with van Gogh, for example. The stunning avant-garde works of the artists returning from France further stimulated the imagination of the Japanese artists who had not been abroad.

Japan and France were vital to each other in explorations of new standards of beauty in the turbulent times of modernization. This exhibition examines the nature of art historical interactions between the two countries during this period of exchange of people, ideas, and things. The exhibition also contemplates, through works by the interculturally influenced artists of the time, the appeal and misconceptions of different cultures arising from romantic visions or misunderstandings.

h288モネ_ヴァランジュヴィルの風景_1882年

Claude Monet, Landscape, Varengeville, 1882, Pola Museum of Art

h288山口晃_新東都名所「芝の大塔」_2014年_ミヅマアートギャラリー

Yamaguchi Akira, New Sights of Tokyo: Shiba Tower, 2014, Mizuma Art Gallery
©YAMAGUCHI Akira, Courtesy of Mizuma Art Gallery

h288黒田清輝_野辺_1907年

Kuroda Seiki, The Fields, 1907, Pola Museum of Art

h299森村泰昌_肖像(ヴァン・ゴッホ)_1985年_高松市美術館

Morimura Yasumasa, Portrait (Van Gogh), 1985, Takamatsu Art Museum

h299ゴッホ_ヴィゲラ運河にかかるグレーズ橋_1888年

Vincent van Gogh, The Gleize Bridge over the Vigueirat Canal, 1888, Pola Museum of Art

h299セザンヌ_砂糖壺、梨とテーブルクロス_1893-1894年

Paul Cézanne, Sugar Bowl, Pears, and Tablecloth, 1893-1894, Pola Museum of Art

ケリス・ウィン・エヴァンス展

会期:2020/6/7(日)~11/3(火・祝) 場所:アトリウム ギャラリー/ロビー/森の遊歩道
ポーラ美術館は、現代のイギリスを代表するアーティスト、ケリス・ウィン・エヴァンスの展覧会を開催いたします。

ウェールズ出身のケリス・ウィン・エヴァンス(1958-)は、光や音など抽象的な素材を用いて、感覚に強く訴えかける作品を制作しています。

1970年代末、映画作家デレク・ジャーマンのアシスタントを務めながら、実験的な映像作品を発表し、作家活動を開始したケリス・ウィン・エヴァンスは、90年代以降、彫刻やインスタレーション、写真や映像など表現の幅を広げており、その多様な作品には、言語や認識、時間の概念が通底しています。

右)ケリス・ウィン・エヴァンス 《The Illuminating Gas...(after Oculist Witnesses)》 2015年

  ネオン 378×319×191cm  展示風景:ポーラ美術館 ©Ken KATO

ss_The Illuminating Gas...

本展ではアトリウム ギャラリーや森の遊歩道での展示に加えて、美術館の吹き抜けに大型のネオン作品が出現します。ポーラ美術館の建築空間とのダイナミックな対話を試みる本展は、国内の美術館で開催される初の個展となります。繊細でエレガントな身振りで空間に介入し、変容させていく、ケリス・ウィン・エヴァンスの詩的な世界をお楽しみください。

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ケリス・ウィン・エヴァンス《(A)=D=R=I=F=T》2015年 

スピーカー、アンプ、メディアプレイヤー、鏡、ステンレススチール

展示風景:ポーラ美術館 ©Ken KATO

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ケリス・ウィン・エヴァンス《299792458 m/s》2004/2010年 

ネオン 展示風景:ポーラ美術館 ©Ken KATO

Masterpieces of the Pola Museum of Art

Jun. 1(mon),2020 - Nov. 3(Tue) *Temporary closure on September1-3, 2020
Gallery 5

The Pola Museum of Art collection centers on 19th century French Impressionist paintings, 20th century Western paintings, Western-style paintings produced in Japan between the Meiji and Showa periods (1868 – 1989) and Nihonga (Japanese paintings). This exhibition introduces masterpieces from the collection.

Western Painting

The Impressionist painters in late 19th century France departed from the traditions of Academism to pursue vivid colors and dazzling light. By the end of the century, Post-Impressionist painters such as Van Gogh and Cézanne were pursuing their own expression of color and form. In the early 20th century, Picasso, and Chagall broke new ground for various types of free expression.

レースの帽子の少女

Pierre Auguste Renoir, Girl in a Lace Hat, 1891

アザミの花

Vincent van Gogh, Flower Vase with Thistles, 1890

Japanese Western-Style Painting and Nihonga

Oil paintings introduced from the West in the Meiji period (1868 -1912) were called Yōga (Western-style paintings) in Japan. Okada Saburosuke and other Japanese artists who had studied in France made great efforts to create a distinctive style of Japanese oil painting that diverged from imitation of Western conventions. At the same time, paintings using mineral pigments suspended in glue (nikawa) were distinguished from such Western-style paintings and called Nihonga (Japanese paintings). After World War II, painters such as Sugiyama Yasushi and Higashiyama Kaii created a new style of Nihonga incorporating bright colors and evoking a particular type of poetic sentiment.

あやめの衣

Okada Saburosuke, Kimono with Iris Pattern, 1927

T10000480

Fujishima Takeji , Profile of a Woman 1926-1927

LÉGER&ART DÉCO: Vision for the Next 100 Years

June 1(Mon),2020 - April 4(Sun), 2021 *Temporary closure on Nov. 4-13, 2020
Gallery 4


Two major art currents emerged, mainly in Paris, with the dawn of the machine age roughly 100 years ago. Artist Fernand Léger who pursued pure form and architect Le Corbusier were proponents of Modernism, while the geometric designs of Art Deco that swept Europe at the time are reflected in the decorative art of craftsmen such as René Lalique. The different philosophies were expressed in architecture, monuments, and interior decoration projects presented at the 1925 International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes), also known as the Art Déco Exposition. In today’s world, the idea of coexistence with robots in the near future carries both expectation and apprehension. One hundred years ago, however, a mechanical age was envisioned with exhilaration and total excitement.

レジェ_鏡を持つ女性

Fernand Léger, Woman at the Mirror,
1920, oil on canvas, 55.3 x 38.7 cm

Newly Acquired Painting: Fernand Léger, Woman at the Mirror

This exhibition features Léger’s Woman at the Mirror, recently acquired by the Pola Museum of Art, Léger’s short film Ballet Mécanique (Mechanical Ballet), and his illustrated book Cirque (Circus). Also on display are Art Deco cosmetic utensils from the same period and glass perfume bottles and cosmetic utensils designed by René Lalique who was also active at the time. Industrial products created by designers who were contemporaries of Léger and inspired by him, and expressions in metal and glass, considered new age materials at the time, are infused with originality and strength inclined towards the future. We invite you to enjoy the beauty of ‘Vision for the next 100 years’ creations that richly imagined an approaching future world.

Fernand Léger (1881 – 1955)

Léger was born in Argentan, a town in the Normandy region of France. He worked as an architectural draftsman in Paris, attended the School of Decorative Arts, and studied painting. Inspired by Cézanne, by the Cubism of Picasso and Braque, and by Futurist painting, Léger sought simplified form and clarity of color. In 1911 he became a member of the Section d’Or (Golden Section) group of Cubist painters who wished to be part of the avant-garde with their themes of workers and urban landscapes. In addition to painting and illustrations, Léger produced architectural murals and works of stained glass, pottery, sculpture, and film.

20103展示桑の実単独

René Lalique,
Perfume Bottle "Bouchon Mures",
Model executed in 1920

ガラス化粧セットh300

Glass Toilet Set,
1920s-1940s

ke_h300

Parfums Rozine,
1925,
1925

コレクション企画

ポーラ美術館の名作絵画

会 期:2020年6月1日(月)~11月3日(火・祝) *臨時休館あり
会 場:展示室5

ポーラ美術館のコレクションの中心をなすのは、おもに19世紀フランスの印象派絵画から20世紀の絵画を中心とする西洋絵画と、明治から昭和にかけて日本で制作された油彩画と日本画です。本展示では、これらのなかからコレクションを代表する名品をご紹介します。

西洋絵画

フランスでは19世紀後半にアカデミズムの伝統から抜け出して、まばゆい光やあざやかな色彩を追い求める印象派の画家たちが登場しました。さらに19世紀末にはファン・ゴッホやセザンヌなど、ポスト印象派の画家たちが独自の色彩と造形の探究を進め、20世紀初頭にはピカソ、シャガールたちが自由で多様な芸術を切り拓いていきました。

レースの帽子の少女

ピエール・オーギュスト・ルノワール
《レースの帽子の少女》1891年

アザミの花

フィンセント・ファン・ゴッホ
《アザミの花》1890年

日本の洋画・日本画

明治時代に西洋から本格的にもたらされた油彩画は、日本では「洋画」と呼ばれました。フランスに留学し、洋画教育に尽力した岡田三郎助らは、西洋の模倣にとどまらない日本独自の油彩画を目指しました。また「洋画」に対して、伝統的な画材である膠(にかわ)と岩絵具を使った絵画は「日本画」と呼ばれました。特に第二次世界大戦後には、杉山寧や東山魁夷らが、日本画特有のあざやかな色彩と独自の詩情を突き詰めていきます。

あやめの衣

岡田三郎助《あやめの衣》
1927年(昭和2)

T10000480

藤島武二《女の横顔》
1926-1927年(大正15-昭和2)

コレクション企画

LÉGER&ART DÉCO 100年前の未来

会 期:2020年6月1日(月)~2021年4月4日(日)*臨時休館あり
会 場:展示室4

今から約100年前、機械を新時代の象徴と捉える機械時代(マシン・エイジ)の到来にふさわしい、ふたつの大きな潮流がパリを中心に生まれました。純粋な造形を目指した芸術家フェルナン・レジェや建築家ル・コルビュジエによる「モダニズム(近代主義)」と、幾何学的なデザインの「アール・デコ」の装飾様式です。
レジェと同時代のデザイナーたちがそれぞれ生み出した工業製品に想を得たフォルムや、金属やガラスなど新時代の物質感の表現は、未来を志向する斬新さと力強さに貫かれています。近未来の世界を豊かに想像して創り出された「100年前の未来」の美をご堪能下さい。

レジェ_鏡を持つ女性

フェルナン・レジェ 《鏡を持つ女性》
1920年 油彩/カンヴァス
55.6 x 38.7 cm

新収蔵作品 フェルナン・レジェ 《鏡を持つ女性》1920年

レジェはピカソ、ブラックらと共に20世紀を代表するキュビスムの巨匠とされるフランスの芸術家です。今から100年ほど前、パリで建築の製図工として働きながら絵画を学んだレジェは、機械に造形的な美を見出す「機械の美学」を基軸に、急激に産業化した同時代の風景を、製図や工業製品の生産技術を意識した新たな形式で描き出しました。

《鏡を持つ女性》は、球や円筒形、直方体などの幾何学的な形が、白、黒、赤、青、黄、緑色に塗られ、複雑に組み合わされた絵画作品です。レジェが示した世界は、技術革新により扉が開かれた進歩への興奮と機械礼賛の輝きに満ちあふれています。今回、レジェの油彩作品がはじめて当館のコレクションに加わりました。当館のレジェ・コレクションは、版画を含め2点となります。

フェルナン・レジェ Fernand Léger 1881-1955

ノルマンディー地方の町アルジャンタンに生まれる。パリで建築の製図工として働き、装飾美術学校や画塾に通い絵画を学ぶ。セザンヌのほか、ピカソ、ブラックのキュビスムや未来派の絵画に触発され、単純なフォルムと明快な色彩を追究する。1911年にキュビスムのグループ「セクシオン・ドール(黄金分割)」のメンバーとなり、都市風景や労働者をテーマに造形の前衛を目指す。絵画、挿絵のほか、建築の壁画やステンドグラス、陶器、彫刻、映画も手がけた。

20103展示桑の実単独

ルネ・ラリック 《桑の実形栓付香水瓶》
1920年 原型制作

ガラス化粧セットh300

《ガラス化粧セット》1920-1940年代

ke_h300

香水瓶「1925」
1925年 ロジーヌ

Monet and Matisse: Visions of the Ideal

Jun. 1(Mon), 2020 - Nov. 3(Tue) *Temporary closure on September 1-3, 2020

In a social environment characterized by rapid modernization and the repeated wars of the nineteenth and twentieth centuries, there emerged in literature and art a yearning for “somewhere away from here.” In particular, the artists Claude Monet (1840–1926) and Henri Matisse (1869–1954) both created their own private worlds, or “artificial paradises,” at their residences: the one by designing and building a garden, the other by personally arranging a distinctive indoor space. In this respect they have a deep affinity.
In the late nineteenth century, Monet left the modernizing city of Paris for the rural town of Giverny, his last abode. At his Giverny property, he laid out a garden, including a pond, and in this ideal setting spent day after day producing a series of works depicting water lilies. Similarly, Matisse, having settled down in the South of France, painted and decorated his room in a manner suggestive of a theater stage, freely matching textiles and furniture. The motif of the interior and the light of southern France adorned the painter’s studio as well as his compositions.
Monet’s garden and Matisse’s interior served, at the same time, both as important subjects for their paintings and places and environments in which to live and work. This exhibition investigates how the two artists created their “artificial paradises” and sublimated them into their art.

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年_ポーラ美術館

Claude Monet, Water Lily Pond, 1899, Pola Museum of Art

h340アンリ・マティス《リュート》1943年_ポーラ美術館

Henri Matisse, The Lute, 1943, Pola Museum of Art

Claude Monet

クロード・モネ《ジヴェルニーの積みわら》1884年_ポーラ美術館254x206

Claude Monet, Haystacks at Giverny, 1884
Pola Museum of Art

h206クロード・モネ《ポール=ドモワの洞窟》茨城県近代美術館

Claude Monet, Cave at Port-Domois, 1886, The Museum of Modern Art, Ibaraki

h206クロード・モネ《睡蓮》アサヒビール大山崎山荘美術館s

Claude Monet, Water Lilies, 1907, Asahi Beer Oyamazaki Villa Museum of Art

Henri Matisse

h306アンリ・マティス《ミモザ》

Henri Matisse, Mimosa, 1949, Ikeda Museum of 20th Century Art

アンリ・マティス_鏡の前の青いドレス_1937.京都国立近代美術館230x306

Henri Matisse, Blue Dress Before a Mirror, 1937
The National Museum of Modern Art, Kyoto

h306アンリ・マティス《赤い室内の緑衣の女》

Henri Matisse, Young Girl in Green at Red Interior, 1947, Hiroshima Museum of Art

モネとマティス―もうひとつの楽園

会 期:2020年6月1日(月)~11月3日(火・祝) *臨時休館あり

*作品リストは2020年8月28日時点の情報です。
*新型コロナウイルス感染拡大の影響により、出品作品に変更が生じる可能性があります。

以下の日程で予定しておりました講演会、イベントにつきましては開催を見合わせております。何卒ご理解のほどよろしくお願い申し上げます。
・4月25日(土)14:00-15:30
 記念講演会「モネとマティスー睡蓮の理想郷と室内の楽園」[講師:木島俊介(ポーラ美術館館長、本展監修者)]

・5月16日(土)、6月20日(土)、7月18日(土)、8月22日(土)、9月19日(土)、10月17日(土)各回14:00-14:40
 ギャラリートーク

開催概要

19世紀から20世紀にかけて、急速な近代化や度重なる戦争などの混乱した社会状況のなか、「ここではないどこか」への憧れが、文学や美術のなかに表れます。なかでもクロード・モネ(1840-1926)とアンリ・マティス(1869-1954)は、庭や室内の空間を自らの思うままに構成し、現実世界のなかにいわば人工的な「楽園」を創り出した点において、深く通じ合う芸術家であると言えます。
モネは19世紀末、近代化するパリを離れ、ジヴェルニーに終の住処を構えます。邸宅の庭で植物を育て、池を造成し、理想の庭を造りあげたモネは、そこに日々暮らしながら、睡蓮を主題とした連作を制作しました。南仏に居を構えたマティスもまた、テキスタイルや調度品を自在に組み合わせ、室内を演劇の舞台さながらに飾り立てて描きました。こうしたモティーフは、南仏の光とともにマティスのアトリエと作品を彩ったのです。
モネの庭と、マティスの室内。彼らの「楽園」は、欠くことのできない主題であると同時に、制作の場であり、生きる環境でもありました。本展覧会では、ふたりの芸術家がいかにして「楽園」を創り上げ、作品へと昇華させていったのかを検証します。

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年_ポーラ美術館

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年 ポーラ美術館

アンリ・マティス《リュート》1943年_ポーラ美術館

アンリ・マティス《リュート》1943年 ポーラ美術館

みどころ1. 印象派の画家モネとフォーヴィスムの画家マティス。対照的な2人に焦点をあてた初の展覧会

絵画制作の上での理想的な環境という「楽園」を追い求めたモネとマティス。舞台装置を設えるように、自身の描きたい空間をまずは現実の世界に創りあげたうえで、絵画に描いています。ふたりにとっての「楽園」であるアトリエや庭を、描かれた作品とともにご紹介し、対照的な2人の画家に共通する作品制作の背景に迫ります。

クロード・モネ写真2

アンリ・マティス写真【大】

みどころ2.国内21ヵ所から、モネとマティスの名品約70点が箱根に集結!

国内21ヵ所から、モネとマティスの作品約30点の名品を借用し、当館収蔵のモネ作品19点、マティス作品8点と合わせて約70点を展覧します。

アンリ・マティス_鏡の前の青いドレス_1937.京都国立近代美術館230x306

アンリ・マティス《鏡の前の青いドレス》
1937年 京都国立近代美術館蔵

クロード・モネ《ポール=ドモワの洞窟》茨城県近代美術館

クロード・モネ《ポール=ドモワの洞窟》
1886年 茨城県近代美術館

 

みどころ 3.2020年はモネの生誕180周年。この記念年に、モネの代表作「睡蓮」シリーズ7点を展示します

モネがジヴェルニーの敷地に造りあげた庭は、描きたいモティーフを理想的な状態にコントロールできる楽園でした。そのこだわりは近くの川から水を引き、池をつくったほどです。時間と労力をかけて現実に築いた「楽園」をもとに描いた「睡蓮」の連作を、初期から最晩年にいたるまで7点展覧します。

クロード・モネ《睡蓮の池》

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年
ポーラ美術館

クロード・モネ《睡蓮》アサヒビール大山崎山荘美術館

クロード・モネ《睡蓮》1907年
アサヒビール大山崎山荘美術館

モネ《睡蓮》おすすめ用

クロード・モネ《睡蓮》1907年
ポーラ美術館

 

みどころ 4.日本で約10年ぶりにマティスの大規模展を開催。

日本国内のコレクションが少なく、まとめて見られる機会の少ないマティス。「自分の絵のなかに完全な調和を作り上げたという感じを持つまで続ける」と語ったマティスの創作へのこだわりを、油彩画30点をはじめ、挿絵本など幅広いジャンルの作品からひもときます。

マティス《ミモザ》

アンリ・マティス《ミモザ》
1949年 池田20世紀美術館

マティス《赤い室内の緑衣の女》

アンリ・マティス《赤い室内の緑衣の女》
1947年 ひろしま美術館

Masterpieces of the Pola Museum of Art

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 2

The Pola Museum of Art collection centers on 19th century French Impressionist painting, 20th century Western paintings, and Western-style paintings produced in Japan between the Meiji and Showa periods (1868 – 1989). This exhibition introduces masterpieces from the collection.

睡蓮の池

Claude Monet, Water Lily Pond, 1899

レースの帽子の少女

Pierre Auguste Renoir, Girl in a Lace Hat, 1891

アザミの花

Vincent van Gogh, Flower Vase with Thistles, 1890

支え無し

Wassily Kandinsky, Without Support, 1923

あやめの衣

Okada Saburosuke, Kimono with Iris Pattern, 1927

Anticipating Spring: Monet, Gallé, Bonnard, and Japanese Paintings

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 2

Artists have depicted nature and the changing seasons since ancient times. The beauty of the four seasons in Japan is an important theme in Japanese art, referred to as setsugetsufuka (snow, moon, wind, flower - meaning the beautiful natural scenery of the four seasons). The transition from winter to spring, the most dramatic one, has been portrayed with many nuances.

There are scenes of leaves falling from trees, cold wind blowing against bare branches and tree trunks, and falling snow, but the most transformed landscapes are those with details eliminated by a cover of snow. Snow scenes were depicted in Japanese medieval picture scrolls and have been a common traditional Japanese art theme since that time. The subject, however, was not widespread in Western art until modern times.
The warmth, young buds and leaves, and colorful flowers of spring, particularly plum, peach, apricot, and cherry blossoms, have been considered auspicious in Japanese painting since ancient times. The features of spring expressed in Western painting tend to include oranges, lemons, and other citrus fruits in addition to flowers.

The diversity of the ‘winter to spring’ seasonal transition theme is illustrated in this exhibition through carefully selected works from the Pola Museum of Art collection of Western paintings, Japanese Western-style paintings, nihonga, and glasswork.

セーヌ河の日没、冬

Claude Monet, Sunset on the Seine in Winter, 1880

ラ・ベル・ガブリエル

Maurice Utrillo, La Belle Gabrielle, 1912

雪景文花器

Emile Gallé, Vase with Snowscape Design, ca. 1897-1900

小豆島の春

Fujishima Takeji, Spring Scene at Shodo-shima, 1936

地中海の庭

Pierre Bonnard, Mediterranean Garden, 1917-1918

Mode and Art Perfume Bottles: Poiret, Schiaparelli, Dior
from the Pola Museum of Art Collection

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 4
In cooperation with POLA Research Institute of Beauty & Culture

In early 20th century Paris, Paul Poiret (1879 – 1944) introduced his Parfums de Rosine perfume brand at his high fashion house Maison Haute Couture in 1911. Perfume, in addition to dresses and accessories, thus began to play an important role in the articulation of the image of high fashion. The different fashion houses placed great attention on the appearance of their perfume bottles, sometimes engaging artists to create the bottle designs.
This exhibition introduces perfume bottles, many created by artists, that express the outlook of the haute couture houses. Included are perfumes as fashion by Charles-Frederick Worth (1825-1895) who is credited with laying the foundation of haute couture, Elsa Schiaparelli (1890-1973) who incorporated expressions of Surrealism, and driving force of post-war fashion Christian Dior (1905-1957).
The perfume industry in the 20th century grew with the introduction of synthetic fragrances. Both well-established perfume producers and emerging cosmetic manufacturers commissioned artist designs to present new perfumes packaged in distinctive bottles. The perfume bottles of this period demonstrate the collaboration of fashion and perfume bottle design.

ポールポワレ主宰・ロジーヌ「1925」

Parfums Rozine, 1925, 1925

ダンラヌイ(真夜中に)

Worth, Perfume Bottle Dans La Nuit, René Lalique
Model executed on 1924

デュフィ_ドーヴィルの競馬場

Raoul Dufy, Racecourse at Deauville, 1935-1940

ルネ・ラリック《ミスティ》

L. T. Piver, Misti / Lenticulaire Fleurs, René Lalique
Model executed around 1920

パリ「クリスマス用」

Coty, Paris, ca.1940

スキャパレリ《ショッキング》

Schiaparelli, Shocking, Baccarat, 1937

スキャッパレッリ《スリーピング》

Schiaparelli, Sleeping, Baccarat, 1938

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Elsa Schiaparelli, Advertisement, 1940's

クリスチャン・ディオール 香水瓶「ジオラマ」

Christian Dior, Diorama, 1949

青い時間_01

Guerlain, L'Heure Bleue, 1912

Masterpieces of Oriental Ceramics

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 5

The Pola Museum of Art collection of Oriental ceramics is made up of pieces mainly from China, Japan, and Korea. All are specifically for visual appreciation, in contrast to ceramics used for tea ceremony. The collection numbers around 200 pieces, among which are 160 systematically collected examples providing an overview of the history of Chinese wares. We hope that you will enjoy the artistry of each work, and appreciate the procession of history in the selection of splendid Chinese ceramics on display.

加彩舞女俑

Painted Pottery Dancer
Tang Dynasty, 7th century

三彩馬

Three-Color Glazed Pottery Horse
Tang Dynasty, 7th-8th century

白釉刻花唐草文瓶

White Glazed Vase with Engraved Design of Scrolling Plant
Cizhou Ware. Northern Song Dynasty, 11th-12th century

五彩花唐草文細口瓶(康煕五彩)

Vase with Floral Scroll Design in Overglaze Enamels
Jing-de-zhen Ware. Qing Dynasty, 17th-18th century

吹青五彩花鳥文瓶(康煕五彩)

Vase with Design of Flowers and Birds in Famille Verte Enamels within White Panels on Blue with Gold Enamels Ground
Jing-de-zhen Ware. Qing Dynasty, 17th-18th century

ポーラ美術館の名作絵画

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室2

ポーラ美術館のコレクションの中心をなすのは、おもに19世紀フランスの印象派絵画から20世紀の絵画を中心とする西洋絵画と、明治から昭和にかけて日本で制作された油彩画です。本展示では、このなかからコレクションを代表する名品をご紹介します。

睡蓮の池

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年

レースの帽子の少女

ピエール・オーギュスト・ルノワール
《レースの帽子の少女》1891年

アザミの花

フィンセント・ファン・ゴッホ《アザミの花》
1890年

支え無し

ワシリー・カンディンスキー《支え無し》1923年

あやめの衣

岡田三郎助《あやめの衣》1927年(昭和2)

特集展示

春を待つ―モネ、ガレ、ボナールと日本の絵画

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室2

古来より、多くの芸術家たちは、季節の変化のなかで自然がみせるさまざまな表情を作品に残してきました。四季の変化に恵まれた日本では、雪月風花(四季折々の美しい自然の風景)は、芸術における重要なテーマでもあります。なかでも、もっとも変化の大きい冬から春への移り変わりは、さまざまな意味合いを込めて描かれてきました。

樹々の葉が落ち、枝と幹ばかりの寒風吹きすさぶ風景やしんしんと雪が降り積もる風景。とくに雪は風景の細部を包み隠し、形を単純化させ、世界を一変させます。雪景色は、日本では古くは中世の絵巻に描かれている伝統的な主題ですが、西洋の美術において多く登場するのは近代以降のことです。
対して、目にもあざやかな若葉が芽吹き、色とりどりの花を咲かせるあたたかな春の風景。日本では、古来より春の訪れを寿(ことほ)ぐ梅、桃、杏、桜の花などが吉祥主題として数多く描かれました。西洋絵画では、花のほかにオレンジ、レモンなど柑橘類の収穫風景が、春の風物詩として登場します。

本展示では、ポーラ美術館の西洋絵画、日本の洋画、日本画、ガラス工芸のコレクションから、「冬」と「春」の風景をテーマとした作品を精選し、それぞれにみられる季節の表現の特徴や多様性についてご紹介します。

セーヌ河の日没、冬

クロード・モネ《セーヌ河の日没、冬》1880年

ラ・ベル・ガブリエル

モーリス・ユトリロ《ラ・ベル・ガブリエル》1912年

雪景文花器

エミール・ガレ《雪景文花器》
1897-1900年頃

小豆島の春

藤島武二《小豆島の春》1936年(昭和11)

地中海の庭

ピエール・ボナール《地中海の庭》1917-1918年

企画展「シュルレアリスムと絵画」 関連企画

モードとアートの香水瓶―ポワレ、スキャパレッリ、ディオール

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室4
協 力:ポーラ文化研究所

フランスでは、ファッションデザイナーのポール・ポワレが1908年に創設した香水ブランド「ロジーヌ香水」を発端にオートクチュールメゾンが香水を販売しはじめ、1920年代には各メゾンの世界観を演出するために香りが重要な役割を担うようになりました。多くのメゾンが香りはもちろん、ボトルの形にも工夫を凝らし、時にはルネ・ラリックやシュルレアリストなど同時代の芸術家たちもその造形に携わります。
本展では、ポーラ美術館収蔵の、メゾンの世界観を表現した香水瓶から、芸術家たちが手がけた作品を中心にご紹介します。ラウル・デュフィとテキスタイルのデザインなどでコラボレーションしたポワレを起点とし、ダリをはじめとするシュルレアリスムのメンバーと親交を持ち、彼らの前衛的な表現をとり入れたエルザ・スキャパレッリ、そしてボトルデザインが定番として発表当時から現代まで続いているクリスチャン・ディオール等の香水瓶を展示します。ファッションの新たな表現媒体として発展した香水瓶とアートの出あいをひもときます。

第1章 オートクチュールメゾンによる香水のはじまりと発展

19世紀後半まで香水は、専門の香水メゾンによって販売されるものでした。しかし20世紀に入ると、オートクチュールメゾンがその世界観を表現する方法として香水を発表するようになります。本章では、現代でも人々を魅了しているオートクチュールメゾンによる香水の歴史のはじまりと発展をひもときます。
また、ポワレを通してファッションとも関わりの深かったデュフィの作品もあわせてご紹介します。

ポールポワレ主宰・ロジーヌ「1925」

ロジーヌ(ポール・ポワレ主宰)
《1925》 1925年

ダンラヌイ(真夜中に)

ウォルト《ダン・ラ・ニュイ(夜中に)》
ルネ・ラリック 1924年原型制作

デュフィ_ドーヴィルの競馬場

ラウル・デュフィ 《ド-ヴィルの競馬場》
1935-1940年

第2章 20世紀における香水メゾンの戦略

19世紀まで上流階級の楽しみだった香水は、19世紀末に開発された合成香料により価格が抑えられ、香りの種類も豊富になったことで幅広く普及します。またボトルの素材も陶器からガラス製のものが一般的になり、技法を凝らしたボトルが制作されるようになりました。
本章ではゲランなどの老舗香水メゾンや、20世紀に登場したコティなど新興化粧品メーカーの香水瓶を展示し、より多くの人の手に渡ることを意図した香水メゾンの戦略をご紹介します。

ルネ・ラリック《ミスティ》

L. T. ピヴェール《ミスティ》
ルネ・ラリック 1920年頃原型制作

パリ「クリスマス用」

コティ《パリ、クリスマス用》1940年頃

第3章 モードとシュルレアリスムの出会い

文学から始まったシュルレアリスムの表現は、やがてモードの世界にも取り入れられます。中でもファッションデザイナーのエルザ・スキャパレッリはサルバドール・ダリやレオノール・フィニらシュルレアリストとのファッションや香水瓶のデザインの協働で話題を集めました。
本章ではシュルレアリスムと最も接近したデザイナーであるスキャパレッリの世界観を、香水瓶や商品カタログから見ていきます。

スキャパレリ《ショッキング》

スキャパレッリ《ショッキング》バカラ社製
1937年

スキャッパレッリ《スリーピング》

スキャパレッリ《スリーピング(眠り)》バカラ社製
1938年

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雑誌広告「スキャパレッリの香水―ショッキング、サリュ、スリーピング」1940年代

第4章 戦後から現代へ続く香水瓶

第二次世界大戦後、パリのモード界に勢いと輝きをもたらしたのが、クリスチャン・ディオールによる華やかなコレクションでした。花を愛したディオールによる香水は、発表当時から現代までほぼ同じ形の香水瓶で販売されています。
本章ではディオールに代表される戦後の香水瓶をご紹介するとともに、20世紀に発表され、現代でも変わらない形で親しまれている香水瓶をご紹介します。

クリスチャン・ディオール 香水瓶「ジオラマ」

クリスチャン・ディオール《ジオラマ》1949年

青い時間_01

ゲラン《青い時間》1912年