Masterpieces of the Pola Museum of Art

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 2

The Pola Museum of Art collection centers on 19th century French Impressionist painting, 20th century Western paintings, and Western-style paintings produced in Japan between the Meiji and Showa periods (1868 – 1989). This exhibition introduces masterpieces from the collection.

睡蓮の池

Claude Monet, Water Lily Pond, 1899

レースの帽子の少女

Pierre Auguste Renoir, Girl in a Lace Hat, 1891

アザミの花

Vincent van Gogh, Flower Vase with Thistles, 1890

支え無し

Wassily Kandinsky, Without Support, 1923

あやめの衣

Okada Saburosuke, Kimono with Iris Pattern, 1927

Anticipating Spring: Monet, Gallé, Bonnard, and Japanese Paintings

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 2

Artists have depicted nature and the changing seasons since ancient times. The beauty of the four seasons in Japan is an important theme in Japanese art, referred to as setsugetsufuka (snow, moon, wind, flower - meaning the beautiful natural scenery of the four seasons). The transition from winter to spring, the most dramatic one, has been portrayed with many nuances.

There are scenes of leaves falling from trees, cold wind blowing against bare branches and tree trunks, and falling snow, but the most transformed landscapes are those with details eliminated by a cover of snow. Snow scenes were depicted in Japanese medieval picture scrolls and have been a common traditional Japanese art theme since that time. The subject, however, was not widespread in Western art until modern times.
The warmth, young buds and leaves, and colorful flowers of spring, particularly plum, peach, apricot, and cherry blossoms, have been considered auspicious in Japanese painting since ancient times. The features of spring expressed in Western painting tend to include oranges, lemons, and other citrus fruits in addition to flowers.

The diversity of the ‘winter to spring’ seasonal transition theme is illustrated in this exhibition through carefully selected works from the Pola Museum of Art collection of Western paintings, Japanese Western-style paintings, nihonga, and glasswork.

セーヌ河の日没、冬

Claude Monet, Sunset on the Seine in Winter, 1880

ラ・ベル・ガブリエル

Maurice Utrillo, La Belle Gabrielle, 1912

雪景文花器

Emile Gallé, Vase with Snowscape Design, ca. 1897-1900

小豆島の春

Fujishima Takeji, Spring Scene at Shodo-shima, 1936

地中海の庭

Pierre Bonnard, Mediterranean Garden, 1917-1918

Mode and Art Perfume Bottles: Poiret, Schiaparelli, Dior
from the Pola Museum of Art Collection

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 4
In cooperation with POLA Research Institute of Beauty & Culture

In early 20th century Paris, Paul Poiret (1879 – 1944) introduced his Parfums de Rosine perfume brand at his high fashion house Maison Haute Couture in 1911. Perfume, in addition to dresses and accessories, thus began to play an important role in the articulation of the image of high fashion. The different fashion houses placed great attention on the appearance of their perfume bottles, sometimes engaging artists to create the bottle designs.
This exhibition introduces perfume bottles, many created by artists, that express the outlook of the haute couture houses. Included are perfumes as fashion by Charles-Frederick Worth (1825-1895) who is credited with laying the foundation of haute couture, Elsa Schiaparelli (1890-1973) who incorporated expressions of Surrealism, and driving force of post-war fashion Christian Dior (1905-1957).
The perfume industry in the 20th century grew with the introduction of synthetic fragrances. Both well-established perfume producers and emerging cosmetic manufacturers commissioned artist designs to present new perfumes packaged in distinctive bottles. The perfume bottles of this period demonstrate the collaboration of fashion and perfume bottle design.

ポールポワレ主宰・ロジーヌ「1925」

Parfums Rozine, 1925, 1925

ダンラヌイ(真夜中に)

Worth, Perfume Bottle Dans La Nuit, René Lalique
Model executed on 1924

デュフィ_ドーヴィルの競馬場

Raoul Dufy, Racecourse at Deauville, 1935-1940

ルネ・ラリック《ミスティ》

L. T. Piver, Misti / Lenticulaire Fleurs, René Lalique
Model executed around 1920

パリ「クリスマス用」

Coty, Paris, ca.1940

スキャパレリ《ショッキング》

Schiaparelli, Shocking, Baccarat, 1937

スキャッパレッリ《スリーピング》

Schiaparelli, Sleeping, Baccarat, 1938

20191016114313

Elsa Schiaparelli, Advertisement, 1940's

クリスチャン・ディオール 香水瓶「ジオラマ」

Christian Dior, Diorama, 1949

青い時間_01

Guerlain, L'Heure Bleue, 1912

Masterpieces of Oriental Ceramics

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020
Exhibition room 5

The Pola Museum of Art collection of Oriental ceramics is made up of pieces mainly from China, Japan, and Korea. All are specifically for visual appreciation, in contrast to ceramics used for tea ceremony. The collection numbers around 200 pieces, among which are 160 systematically collected examples providing an overview of the history of Chinese wares. We hope that you will enjoy the artistry of each work, and appreciate the procession of history in the selection of splendid Chinese ceramics on display.

加彩舞女俑

Painted Pottery Dancer
Tang Dynasty, 7th century

三彩馬

Three-Color Glazed Pottery Horse
Tang Dynasty, 7th-8th century

白釉刻花唐草文瓶

White Glazed Vase with Engraved Design of Scrolling Plant
Cizhou Ware. Northern Song Dynasty, 11th-12th century

五彩花唐草文細口瓶(康煕五彩)

Vase with Floral Scroll Design in Overglaze Enamels
Jing-de-zhen Ware. Qing Dynasty, 17th-18th century

吹青五彩花鳥文瓶(康煕五彩)

Vase with Design of Flowers and Birds in Famille Verte Enamels within White Panels on Blue with Gold Enamels Ground
Jing-de-zhen Ware. Qing Dynasty, 17th-18th century

ポーラ美術館の名作絵画

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室2

ポーラ美術館のコレクションの中心をなすのは、おもに19世紀フランスの印象派絵画から20世紀の絵画を中心とする西洋絵画と、明治から昭和にかけて日本で制作された油彩画です。本展示では、このなかからコレクションを代表する名品をご紹介します。

睡蓮の池

クロード・モネ《睡蓮の池》1899年

レースの帽子の少女

ピエール・オーギュスト・ルノワール
《レースの帽子の少女》1891年

アザミの花

フィンセント・ファン・ゴッホ《アザミの花》
1890年

支え無し

ワシリー・カンディンスキー《支え無し》1923年

あやめの衣

岡田三郎助《あやめの衣》1927年(昭和2)

特集展示

春を待つ―モネ、ガレ、ボナールと日本の絵画

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室2

古来より、多くの芸術家たちは、季節の変化のなかで自然がみせるさまざまな表情を作品に残してきました。四季の変化に恵まれた日本では、雪月風花(四季折々の美しい自然の風景)は、芸術における重要なテーマでもあります。なかでも、もっとも変化の大きい冬から春への移り変わりは、さまざまな意味合いを込めて描かれてきました。

樹々の葉が落ち、枝と幹ばかりの寒風吹きすさぶ風景やしんしんと雪が降り積もる風景。とくに雪は風景の細部を包み隠し、形を単純化させ、世界を一変させます。雪景色は、日本では古くは中世の絵巻に描かれている伝統的な主題ですが、西洋の美術において多く登場するのは近代以降のことです。
対して、目にもあざやかな若葉が芽吹き、色とりどりの花を咲かせるあたたかな春の風景。日本では、古来より春の訪れを寿(ことほ)ぐ梅、桃、杏、桜の花などが吉祥主題として数多く描かれました。西洋絵画では、花のほかにオレンジ、レモンなど柑橘類の収穫風景が、春の風物詩として登場します。

本展示では、ポーラ美術館の西洋絵画、日本の洋画、日本画、ガラス工芸のコレクションから、「冬」と「春」の風景をテーマとした作品を精選し、それぞれにみられる季節の表現の特徴や多様性についてご紹介します。

セーヌ河の日没、冬

クロード・モネ《セーヌ河の日没、冬》1880年

ラ・ベル・ガブリエル

モーリス・ユトリロ《ラ・ベル・ガブリエル》1912年

雪景文花器

エミール・ガレ《雪景文花器》
1897-1900年頃

小豆島の春

藤島武二《小豆島の春》1936年(昭和11)

地中海の庭

ピエール・ボナール《地中海の庭》1917-1918年

企画展「シュルレアリスムと絵画」 関連企画

モードとアートの香水瓶―ポワレ、スキャパレッリ、ディオール

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室4
協 力:ポーラ文化研究所

フランスでは、ファッションデザイナーのポール・ポワレが1908年に創設した香水ブランド「ロジーヌ香水」を発端にオートクチュールメゾンが香水を販売しはじめ、1920年代には各メゾンの世界観を演出するために香りが重要な役割を担うようになりました。多くのメゾンが香りはもちろん、ボトルの形にも工夫を凝らし、時にはルネ・ラリックやシュルレアリストなど同時代の芸術家たちもその造形に携わります。
本展では、ポーラ美術館収蔵の、メゾンの世界観を表現した香水瓶から、芸術家たちが手がけた作品を中心にご紹介します。ラウル・デュフィとテキスタイルのデザインなどでコラボレーションしたポワレを起点とし、ダリをはじめとするシュルレアリスムのメンバーと親交を持ち、彼らの前衛的な表現をとり入れたエルザ・スキャパレッリ、そしてボトルデザインが定番として発表当時から現代まで続いているクリスチャン・ディオール等の香水瓶を展示します。ファッションの新たな表現媒体として発展した香水瓶とアートの出あいをひもときます。

第1章 オートクチュールメゾンによる香水のはじまりと発展

19世紀後半まで香水は、専門の香水メゾンによって販売されるものでした。しかし20世紀に入ると、オートクチュールメゾンがその世界観を表現する方法として香水を発表するようになります。本章では、現代でも人々を魅了しているオートクチュールメゾンによる香水の歴史のはじまりと発展をひもときます。
また、ポワレを通してファッションとも関わりの深かったデュフィの作品もあわせてご紹介します。

ポールポワレ主宰・ロジーヌ「1925」

ロジーヌ(ポール・ポワレ主宰)
《1925》 1925年

ダンラヌイ(真夜中に)

ウォルト《ダン・ラ・ニュイ(夜中に)》
ルネ・ラリック 1924年原型制作

デュフィ_ドーヴィルの競馬場

ラウル・デュフィ 《ド-ヴィルの競馬場》
1935-1940年

第2章 20世紀における香水メゾンの戦略

19世紀まで上流階級の楽しみだった香水は、19世紀末に開発された合成香料により価格が抑えられ、香りの種類も豊富になったことで幅広く普及します。またボトルの素材も陶器からガラス製のものが一般的になり、技法を凝らしたボトルが制作されるようになりました。
本章ではゲランなどの老舗香水メゾンや、20世紀に登場したコティなど新興化粧品メーカーの香水瓶を展示し、より多くの人の手に渡ることを意図した香水メゾンの戦略をご紹介します。

ルネ・ラリック《ミスティ》

L. T. ピヴェール《ミスティ》
ルネ・ラリック 1920年頃原型制作

パリ「クリスマス用」

コティ《パリ、クリスマス用》1940年頃

第3章 モードとシュルレアリスムの出会い

文学から始まったシュルレアリスムの表現は、やがてモードの世界にも取り入れられます。中でもファッションデザイナーのエルザ・スキャパレッリはサルバドール・ダリやレオノール・フィニらシュルレアリストとのファッションや香水瓶のデザインの協働で話題を集めました。
本章ではシュルレアリスムと最も接近したデザイナーであるスキャパレッリの世界観を、香水瓶や商品カタログから見ていきます。

スキャパレリ《ショッキング》

スキャパレッリ《ショッキング》バカラ社製
1937年

スキャッパレッリ《スリーピング》

スキャパレッリ《スリーピング(眠り)》バカラ社製
1938年

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雑誌広告「スキャパレッリの香水―ショッキング、サリュ、スリーピング」1940年代

第4章 戦後から現代へ続く香水瓶

第二次世界大戦後、パリのモード界に勢いと輝きをもたらしたのが、クリスチャン・ディオールによる華やかなコレクションでした。花を愛したディオールによる香水は、発表当時から現代までほぼ同じ形の香水瓶で販売されています。
本章ではディオールに代表される戦後の香水瓶をご紹介するとともに、20世紀に発表され、現代でも変わらない形で親しまれている香水瓶をご紹介します。

クリスチャン・ディオール 香水瓶「ジオラマ」

クリスチャン・ディオール《ジオラマ》1949年

青い時間_01

ゲラン《青い時間》1912年

東洋陶磁の精華

会 期:2019年12月15日(日)-2020年4月5日(日) *会期中無休
会 場:展示室5

ポーラ美術館の東洋陶磁コレクションは、中国、日本、韓国を中心になされており、そのすべてが、「鑑賞」に主眼が置かれた鑑賞陶磁コレクションです。コレクションの主軸は中国陶磁であり、総数約200点のうち約160点を占めています。選りすぐりの中国陶磁をとおして、悠久の歴史のなかで連綿とつくられて来たやきものの持つ時代性と、それぞれの作品の持つ芸術性をご堪能いただければ幸いです。

加彩舞女俑

加彩舞女俑 唐時代 7世紀

三彩馬

三彩馬 唐時代 7-8世紀

白釉刻花唐草文瓶

白釉刻花唐草文瓶
磁州窯 北宋時代 11-12世紀

五彩花唐草文細口瓶(康煕五彩)

五彩花唐草文細口瓶(康煕五彩)
景徳鎮窯 清時代 17-18世紀

吹青五彩花鳥文瓶(康煕五彩)

吹青五彩花鳥文瓶(康煕五彩)
景徳鎮窯 清時代 17-18世紀

Surrealist Painting ―Influences and Iterations in Japan

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020

Foreword

Advanced by French poet André Breton (1896-1966), Surrealism became one of the most influential art movements of the 20th century. With Philippe Soupault (1897- 1990), Breton devised the technique of Automatism in 1919, one year after World War I ended. Connected to the idea of the unconscious mind in psychoanalysis, the methodology of Automatism was to create poetry by moving pen on paper as rapidly as possible. Having experienced the unprecedented devastation of World War I, Breton and Soupault questioned reason based modern rationalism and sought a new aesthetic to express the ‘surreal’ lurking in reality. Breton’s 1924 Surrealist Manifesto allowed for the gradual spread of Surrealism beyond the field of literature to painting, and eventually to the collages of Max Ernst (1891-1976) in Germany’s Dada movement and Salvador Dalí (1904 -1989) in Spain.

Surrealism reached Japan in the 1930s and, translated into Japanese as “ultrarealism” (cho-genjitsu shugi), generated a great sensation as the latest avant-garde style. Eventually, with the admixture of Eastern thought, the original search for the unconscious was lost in Japan and Surrealism became understood as art of a strange fantasy world, popularly referred to in mass media as ‘Shuru.’

This exhibition focuses on the development of Surrealism in painting in Europe and Japan, its influence on post-war Japanese art and, through the work of contemporary artist Tabaimo, the transformation in Japan from Surrealism as a significant 20th century art movement to the popular idea of ‘Shuru’ – art of the unreal and incongruous.

1.姿の見えない眠る人、馬、獅子

Salvador Dalí, Invisible Sleeper, Horse, and Lion
1930, Pola Museum of Art
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2019 E3562

Chapter 1 The Birth of Surrealism: Response to 1920s Boom and Bust

Though the word ‘Surrealism’ identifying the movement first came into play in André Breton’s 1924 Surrealism Manifesto/Soluble Fish, the activities of the Surrealist artists date to 1919. Serving in the French army medical corps during World War I and witnessing the miserable situation at the front, Breton began to question modernity and the destructive weapons created and used during World War I. He started to realize that though rational modernity, based on science and reason, was expected to improve the world it instead led to great destruction.

After the devastation of war, the promotion of modernization resurfaced. Breton, who turned to poetry and rejected expression controlled by reason, resisted the trend and engaged in various experiments with his friends. In 1919, they discovered the technique of Automatism, running their pens at high speed across paper to create unexpected poetic expression, to liberate them from the constraints of consciousness.

ジョアン・ミロ《夜の人物と人》

Joan Miró, Personages and Bird in the Night
1944, Pola Museum of Art
© Successió Miró / ADAGP, Paris & JASPAR, Tokyo, 2019 E3562
(First half of the exhibition)

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Giorgio de Chirico, Evangelical Still Life Natura Morta Evangelica
1916, Nakanoshima Museum of Art, Osaka
© SIAE, Roma & JASPAR, Tokyo, 2019 E3562

ヘクトールとアンドロマケー

Giorgio de Chirico, Hector and Andromache
ca. 1930, Pola Museum of Art
© SIAE, Roma & JASPAR, Tokyo, 2019 E3562

Chapter 2 Ernst and Dalí: Encounters with Material and Image

Breton’s 1924 Surrealism Manifesto/Soluble Fish ushered in the Surrealist movement in search of a reality unreachable through ‘reason.’ The reach of the movement expanded beyond poetry and literature to include the work of Italian painter Giorgio de Chirico, and Max Ernst from Germany. Breton had recognized the possibility of Surrealism in painting from the early stages of his activities, as evidenced in his “Surrealism and Painting” essay (serialized in 1925, published in 1928).

A review of the works of painters involved in the Surrealist movement reveals that the methods and styles were diverse and that there was no unified ‘Surrealist Painting’ style. Breton’s goal was not to define ‘Surrealist painting’ or to form a group of ‘Surrealist painters,’ but rather to discover painters whose works resonated with Surrealist ideas. Obviously, there were some painters inspired by Breton who created new forms of expression. Each painter sought their own way to distance from reason and to approach the surreal. Ernst, for example used traces from a grattage scraping technique to render forest landscapes and seascapes, and Salvador Dalí established his own Paranoiac Critical method inspired by psychoanalysis. Surrealism spread internationally in the latter half of the 1930s, against a background of instability and anxiety prior to World War II.

2.エルンスト《森》

Max Ernst, Forest, 1927, Okazaki City Museum
© ADAGP, Paris & JASPAR, Tokyo, 2019 E3562
(First half of the exhibition)

4.エルンスト_百頭女より

Max Ernst
The Hundred Headless Woman
1929, Tomioka City Museum / Fukuzawa Ichiro Memorial Gallery
© ADAGP, Paris & JASPAR, Tokyo, 2019 E3562

3.ビキニの3つのスフィンクス

Salvador Dalí, The Three Sphinxes of Bikini
1947, Morohashi Museum of Modern Art
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2019 E3562

Chapter 3 1930s Japanese Surrealism

Avant-garde artists in Japan in the late 1920s and 1930s were inspired during this turbulent time by exposure to Western trends through art magazines and increased exhibitions of contemporary overseas artists. Japanese artists who had studied in France and were influenced by Fauvism formed the ‘1930 Association’ in 1926.
The growing trend in the Japanese art world was going in the direction of departure from academism. Around 1930, the avant-garde paintings and style of Fukuzawa Ichiro began to be known and emulated as ‘Surrealism.’ Surrealism in Japan, however, was understood not an ideological movement to own reality by overcoming modern rationalism, but rather a painting style representing a world of dream and illusion separate from reality.
The impending Sino-Japanese War and World War II brought a cloud of despair and hopelessness in the 1930s and Japanese Surrealist painting showed a tendency to connect with elements of Eastern thought such as Zen Buddhism and Eastern painting traditions. Koga Harue and Migishi Kotaro were inspired by Surrealist ideas and works and created fantasy paintings that incorporated Eastern elements. Noboru Kitawaki and Aimitsu advanced a philosophical approach in their pursuit of the spirituality of Eastern painting. Japanese Surrealism developed in contradistinction to Japanese-style Fauvism and referred to in in Japanese in abbreviated form as ‘Shuru’ having the meaning of ‘something separate from reality that is impossible to truly understand.’

6.古賀春江《白い貝殻》

Koga Harue, White Shell, 1932
Pola Museum of Art

7.海と斜光

Migishi Kotaro, Sea and Sunshine, 1934
Nagoya City Art Museum

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Migishi Kotaro
Butterflies Flying above Clouds, 1934
The National Museum of Modern Art, Tokyo

2.北脇昇_独活

Kitawaki Noboru, Spikenards, 1937
The National Museum of Modern Art, Tokyo

Chapter 4 Yoshihara, Ei-Q, and Okanoue: Post-War Japanese Surrealism

With the lifting of restrictions on their freedom of expression after the end of World War II, avant-garde artists in Japan for sought a fresh start for several years. Jiro Yoshihara who began his painting career in the late 1920s under the influence of Ernst and Magritte, went on after the war to explore abstract painting. Creating works that emphasized the physical properties of paint with bold brushstrokes, and becoming the leader of Gutai Art Association group of young artists, he arrived at the expression of the simple and versatile circle as his solution. Ei-Q created what he called ‘photo-dessins’ – based on Surrealistic photograms and painting. His works were strongly abstract, verging on pointillistic, and featured fluid color scattering through his use of oil paint.

In this milieu, artists who had been exposed to Surrealism since pre-war times aimed to establish their own style of abstract expression. It would seem that the post-war paintings emphasizing materiality cannot be compared with paintings seeking to express a world of dreams and illusions. Considering the material approach of Ernst to painting, the development was from Surrealism to abstract painting and this was obviously built on continuity rather than on a break with convention.
It is noteworthy that the attraction to Surrealism in Japan lives on in the worlds of film special effects and manga. The spirit of Surrealism, criticizing rationality and aiming to grasp reality anew continues to expand the territory of intellectual and literary movements in the 21st century.

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Ei-Q, Archetype of Sea, 1958, private collection

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Narita Tohl
First Draft of Ultraman, 1966
Aomori Museum of Art
© Narita/TPC
(First half of the exhibition)

成田亨《ブルトン》

Narita Tohl, Breton, 1966, Aomori Museum of Art
© Narita/TPC
(First half of the exhibition)

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Tabaimo, Chirping, 2016
video installation
©2019 Tabaimo

Midori Sato―Diaphanous petals

Dec. 15(Sun), 2019 - Apr. 5(Sun), 2020

The “Hiraku Project” is conceived as a series of exhibitions introducing contemporary artworks by Pola Art Foundation Grant recipients. The exhibitions are to be held at the Atrium Gallery, recently established to celebrate the 15th anniversary of the Pola Museum of Art. “Hiraku” translates as ‘open,’ in the sense of ‘responsive to new possibilities.’ We are pleased to present Midori Sato -Diaphanous petals- as the 10th exhibition in our HIRAKU Project.

《Diaphanous pink window I》web

Midori Sato《Diaphanous pink window I》2019, Glitter, oil and acrylic on canvas
194.5×259.3cm photo by Kenji Takahashi
© Midori Sato, Courtesy of Tomio Koyama Gallery / Koyama Art Projects

《Diaphanous pink window II》web

Midori Sato《Diaphanous pink window II》2019, Glitter, oil and acrylic on canvas
194.2×259.3cm photo by Kenji Takahashi
© Midori Sato, Courtesy of Tomio Koyama Gallery / Koyama Art Projects

佐藤翠「Diaphanous petals」展

会期:2019年12月15日(日)~2020年4月5日(日)
場所:アトリウム ギャラリー

展覧会概要

ポーラ美術館は、開館15周年にあたる2017年に公益財団法人ポーラ美術振興財団の助成を受けた現代美術作家の活動を紹介する「アトリウム ギャラリー」を新設し、芸術表現と美術館の可能性を「ひらく」という趣旨の「HIRAKU PROJECT」をおこなっております。
第10回目となる今回は、ドレスやハイヒール、花、果実といった女性的なモティーフを、軽やかな色彩感覚や力強い筆のストロークによって表現するアーティスト、佐藤翠をご紹介します。美術館での初個展となる本展では、幅2.5mにおよぶ大作を含む新作6点を展示いたします。やわらかな光の表現に挑んだ新境地の絵画作品をご覧いただけます。

《Diaphanous pink window I》web

佐藤翠《Diaphanous pink window I》2019, Glitter, oil and acrylic on canvas
194.5×259.3cm photo by Kenji Takahashi
© Midori Sato, Courtesy of Tomio Koyama Gallery / Koyama Art Projects

《Diaphanous pink window II》web

佐藤翠《Diaphanous pink window II》2019, Glitter, oil and acrylic on canvas
194.2×259.3cm photo by Kenji Takahashi
© Midori Sato, Courtesy of Tomio Koyama Gallery / Koyama Art Projects

佐藤翠(1984-)は、服や靴などのファッションアイテムがひしめくクローゼットや、装飾的な文様で覆われたカーペット、そして色彩豊かな花々を、油彩やアクリルで描くアーティストです。ドレスやハイヒール、花や果物など、一貫して女性的なモティーフにこだわりながら、正面観を意識した構図やコントラストの強い色彩表現、身体性を感じさせる力強い筆のストロークによって、独自の絵画表現を追求してきました。個展やグループ展での作品発表のほか、小説の装丁画や挿絵を手掛けるなど、活躍の場を広げています。

本展では、6点の新作を発表します。縦1.94×横2.59mにおよぶ、光溢れるショーウインドウを描いた《Diaphanous pink window I》を含む大作3点と、これまでも連作として描いてきた花やカーペットをモティーフとした小品3点です。

具象と抽象、現実とイマジネーションの世界とを行きつ戻りつしながら、絵画表現の魅力を追い求める佐藤の、新たな作風の展開にご注目ください。

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佐藤翠 《Bouquet of roses I》 2019, Oil and acrylic on canvas
50.0 x 60.6 cm © Midori Sato

作家プロフィール

佐藤 翠(さとう・みどり)
1984年、愛知県生まれ。名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画コース卒業(2008年)、東京造形大学大学院修了(2010年)。平成29年度ポーラ美術振興財団在外研修員としてフランスに滞在。服や靴が整然と並ぶクローゼットや、四季折々の花や果物を油彩やアクリルを用いて描き、具象と抽象の間を揺れ動く装飾的な絵画表現を試みる。主な個展に「Glimmer of night」SCÈNE(東京、2019年)、「Bouquets」8/ART GALLERY/Tomio Koyama Gallery(東京、2019年)、「Orange glow」Green Flowers Art(パリ、2018年)など。VOCA展2013(2013年)にて大原美術館賞受賞。東京在住。
【作家ウェブサイト】https://www.midorisato.com/

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Syncopation: Contemporary encounters with the Modern Masters

Aug. 10 (Sat)-Dec. 1 (Sun), 2019

Foreword

This exhibition presents a wide range of items from the Pola Museum of Art collection, including paintings, sculptures, and Oriental ceramics along with works by 12 artists active on the front lines of contemporary expression. This marks the first full-fledged exhibition devoted to contemporary artists since the museum opened in 2002.
The word “syncopation” refers to the musical technique of altering a standard rhythm by displacing the regular metrical accent in order to add texture and tension to a composition. Derived from the ancient Greek word sunkopḗ, the technique is widely used in classical music as well as being a fundamental part of more modern genres such as jazz, blues, and ragtime. Syncopation entails shifting the normal stress or accent, or reversing the strong and weak, a process that might also be seen as a means of reexamining the relationships among things and exploring new interpretations. In this exhibition, a group of contemporary artists presents a wide range of works, including installations that extend throughout a space, videos, photographs, sound, performance, and an outdoor piece. These efforts evoke syncopations that transcend time and national borders, shedding contemporary light on works by masters of the past, and giving rise to new rhythms.
Nestled in a rich natural environment, the Pola Museum of Art strives for a symbiosis between nature and art while restoring the intimate, innate connection between the two. There should be no distinctions made between the art of the past and that of the present. Together they should be allowed to perpetually forge new relationships with each other.

Céleste Boursier-Mougenot x Claude Monet ーWater and Transience

The natural world shifts constantly, and humans have always looked to water as a symbol of these transformations. In philosophy, literature, and art, whether ancient or modern, Western or Eastern, the flow and movement of water has been deployed to express the sensation of time passing, or shifts in form and appearance. The Impressionist painter Claude Monet had an intense interest in water ever since he aspired to be a painter: in his late life, he built a pond with floating water lilies on the grounds of his own home, making works that repeatedly depicted the surface of this water. Céleste Boursier-Mougenot arranges a variety of white ceramic vessels in various sizes on the surface of a pool of water, prompting them to collide with each other in a random, fortuitous fashion. The environments created by these two artists in their respective eras invoke the shifting nature of a water surface that cannot be predicted in advance.

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Céleste Boursier-Mougenot, clinamen v.7, 2019 ©Céleste Boursier-Mougenot Photo: Keizo Kioku

1.モネ

Claude Monet, Water Lilies, 1907, Pola Museum of Art

Shizuka Yokomizo x Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Pierre Bonnard ーThe Hundred-year Waltz

Each of us constantly harbor within us a memory of a cherished, intimate place that serves as an emotional anchor. The Impressionist painters Monet and Renoir, as well as their successor Bonnard, devoted the mature stages of their lives to creating work in the gardens of their own homes. The countless brushstrokes and touches that these painters left behind on their canvas are still alive and breathing within their paintings. Shizuka Yokomizo captures on video the figures of four older women performing one of Chopin’s waltzes, as well as images of their favorite interiors and gardens, projecting them onto two screens. The touch of their fingers imprinted with their respective ages, and these melodies that exalt grief and sorrow, gradually forge a link to eternal time in front of the viewer.

横溝さん作品

Shizuka Yokomizo, Forever (and again), 2003, DVD projection, two screens
©Shizuka Yokomizo, Courtesy of Wako Works of Art Photo: Keizo Kioku

クロード・モネ《花咲く堤、アルジャントゥイユ》.en

Claude Monet, Flowered Riverbank, Argenteuil, 1877,
Pola Museum of Art

ピエール オーギュスト ルノワール《アネモネ》en

Pierre Auguste Renoir,Anemones, ca. 1883-1890, Pola Museum of Art

ボナール《ミモザのある階段.en》

Pierre Bonnardr,Stairs with Mimosa, ca. 1946, Pola Museum of Art

Alicia Kwade x Salvador Dalí ー The Other Side of the Mirror

Using hard materials like metal, mirrors, and glass, Alicia Kwade creates installations that amplify the sense of disjuncture in human consciousness. This work, Between Glances, contains both mirrors that reflect the figure of the viewer, as well as transparent glass panels that allow the viewer to see through to “the other side.” The lamps that ought to have disappeared light up like some phantom vision, confusing our gaze and beckoning us towards the world that lies beyond. Salvador Dalí also created works that invite the viewer into a labyrinth. Illusory spaces also unfold within Dalí’s paintings, populated by multi-layered fleshly figures, and the mirror images of menacing clouds and curious rock formations.

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Alicja Kwade, Between Glances, 2018
Courtesy of the artist, KöNIG GALERIE, Berlin / London and 303 Gallery, New York
Photo: Keizo Kioku

7.ダリ.en

Salvador Dali, Invisible Sleeper, Horse, and Lion, 1930, Pola Museum of Art
© Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, JASPAR Tokyo, 2019
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Abdelkader Benchamma x Gustave Courbet ー Magnificent nature

Earth, water, fire, rocks, wood, clouds, stars — these are the various elements that make up nature. Abdelkader Benchamma presents a dynamic vision of Earth where these elements coexist in a state of chaos in monochrome worlds that seem to extend as far as the eye can see. While making reference to a diversity of disciplines including literature, philosophy, and indigenous faiths and beliefs, Benchamma deploys improvisatory gestures to depict an endless, pleated expanse of richly varied light and shadow, as if to look back on the distant memories of ancient times. Courbet, whom Benchamma greatly admires, was an artist who explored forests in search of rocky mountains with conspicuous traces of tectonic movements and undulating terrain as subjects for his paintings. These artists, fascinated by the boundless life force of the natural world, dip their brushes in this sorcery in order to depict astonishing landscapes.

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Abdelkader Benchamma, Body of Ghosts, 2019
Courtesy of the artist and Galerie Templon, Paris Photo: Keizo Kioku

クールベ

Gustave Courbet, Landscape with a Rock,Pola Museum of Art

Hirofumi Isoya x Pablo Picasso Drawing the Event

The colors of these photographs that capture familiar objects and events have been pulled outside the edges of the frame. Each of these images, divided according to shape and color, are sorted into a “past” that has now faded to sepia, and the “present” of the frame in front of you, creating a bizarre sense of disjuncture between time and consciousness. This still life painting by Picasso,
too, depicts items he loved — glasses, tobacco, newspapers — that serve as trusted companions, indispensable to life and creation. The painting, which contains several perspectives and evokes multiple times and spaces, prompts us to have a complex vicarious experience. By placing a Picasso work in the center of the room as an “object,” Isoya solicits the involvement of the viewer while also designing our actual experience of that space.

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©Hirofumi Isoya Photo: Keizo Kioku

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Pablo Picasso, Newspaper, Glass and Packet of Tobacco, 1921

Oliver Beer x Oriental Ceramics The Shape of Voices

The various vessels on display here, just like the respiratory organs in our body, contain hollow cavities made for storing air. Oliver Beer inserts microphones into these vessels and causes sounds to echo within their interiors: by amplifying them, he causes the various “voices” that lie dormant there to reverberate. An amphora from ancient Greece, a Roman jug, a piece of Etruscan ceramic,a Congo mask, an ancient Japanese pot, an Indonesian object, an English artillery shell — here is a veritable orchestra of objects that were given form in various times and places, alongside acts of human labor, from 3000 BC up until the 21st century AD: voices residing in an assortment of vessels that resonate with each other.

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Oliver Beer, Devils , 2017,
16 vessels, 16 plinths, with microphones and associated audio equipment
Collection of Museum Voorlinden, Wassenaar, the Netherlands
Image courtesy of the artist and Galerie Thaddaeus Ropac, London/Paris/Salzburg © Oliver Beer Photo by Stephen White

Susan Philipsz x The Impressionists Running Through the Forest

This work is dedicated to Lucia Joyce, daughter of the novelist James Joyce, who was active as a dancer in Paris during the 1920s. By taking as her subject the song “La flûte enchantée” (The Magic Flute) — a favorite of Lucia’s from Shéhérazade by Maurice Ravel, who has also been labelled an Impressionist — Philipsz creates a certain resonance with the Impressionist paintings that form the core of the Pola Museum Collection. Philipsz extracts the timbre of the flute from the song and separates it into the individual notes of a scale, letting the sound of each note reverberate individually through 11 speakers, one note per speaker. The timbre of “The Magic Flute” is superimposed onto Lucia leaping through space as she dances like the wind, as well as the brushstrokes of the Impressionist painters, taking on a three-dimensional, almost sculptural presence. As these sounds run through the spaces between the trees along with the breathing of the performers, they inject a sense of illusory color and vitality into this place and moment.

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Suzan Philipsz, Wind Wood, 2019
©Susan Philipsz Photo: Keizo Kioku

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シュルレアリスムと絵画 ―ダリ、エルンストと日本の「シュール」

会期:2019年12月15日(日)~2020年4月5日(日)

開催概要

フランスの詩人アンドレ・ブルトンが中心となって推し進めた「シュルレアリスム」は、20世紀において最も大きな影響をおよぼした芸術運動です。彼らは理性を中心とする近代的な考え方を批判し、精神分析学の影響を受けて無意識の世界を探究することで「超現実」という新たなリアリティを追い求めたのです。やがてシュルレアリスムは詩や思想だけではなく絵画の分野にも拡大し、ドイツ出身の画家マックス・エルンスト(1891-1976)による実験的な作品に美しさを見いだしました。またスペインからこの運動に加わったサルバドール・ダリ(1904-1989)は「偏執狂的=批判的」方法という独自の理論にもとづいて絵画を制作し、美術だけではなくファッション界をも巻き込む大きな流行を作り出していきます。
日本において1928年にブルトンが発表した『シュルレアリスムと絵画』は、瀧口修造(1903-1979)によって早くも1930年に日本語に翻訳され刊行されています。1930年代を通して「超現実主義」という訳語のもと最新の前衛美術のスタイルとして一大旋風を巻き起こします。しかしこうした広がりのなかでシュルレアリスムは、第二次世界大戦へと向かう時代の閉塞感と響き合い、しだいに現実離れした奇抜で幻想的な芸術として受け入れられていきました。本展は、シュルレアリスム運動からどのようにシュルレアリスム絵画が生まれたのか、さらに日本における超現実主義への展開に焦点をあてる世界で初めての展覧会です。

主要出品作家:サルバドール・ダリ、マックス・エルンスト、古賀春江、三岸好太郎、瑛九、吉原治良など

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サルバドール・ダリ
《姿の見えない眠る人、馬、獅子》
1930年
ポーラ美術館蔵

ダリ《ビキニの3つのスフィンクス》194x155

サルバドール・ダリ
《ビキニの3つのスフィンクス》
1947年
諸橋近代美術館蔵

キリコ《ヘクトールとアンドロマケー》124x155

ジョルジョ・デ・キリコ
《ヘクトールとアンドロマケー》
1930年頃
ポーラ美術館蔵

ルネ・マグリット《生命線》114x155

ルネ・マグリット
《生命線》
1936年
ポーラ美術館蔵

古賀春江《白い貝殻》124x155

古賀春江
《白い貝殻》
1932年(昭和7)
ポーラ美術館蔵

Masterpieces from the Pola Museum of Art

Aug. 10(Sat)-Dec. 1(Sun), 2019
Exhibition room 4,5

This exhibition introduces paintings, prints, glasswork, cosmetic utensils, and sculpture from the Pola Museum of Art collection around the themes of “Beautiful Harmony,” “Degas’s Ballet,” and “A Symphony of Flowers”.

I. Beautiful Harmony

The Pola Museum of Art has a large collection of paintings of the female figure dating from the latter half of the 19th century to the beginning of the 20th century. Renoir’s painting of a young girl portrays a dreamy expression and popular fashion of the time. Fujishima Takeji and Umehara Ryuzaburo, after returning from study in Europe, turned their attention to features of Japanese and Asian female beauty. Whether European or Asian, however, the female images and nudes emphasize graceful bodylines and soft skin.
Exploring the theme of ‘beauty,’ we have selected outstanding examples of distinctive portraits and cosmetic utensils from the Pola collection. We hope you will enjoy the harmony created in the depictions of the natural ‘beauty’ of the human body, of human facial expressions, and of fashion.

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Pierre Auguste Renoir, Girl in a Lace Hat, 1891

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Amedeo Modigliani,
Portrait of Lunia Czechowska, 1917

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Okada Saburosuke, Kimono with Iris Pattern, 1927

II. Degas’s Ballet

This section features works on the subject of dance and ballet and, more broadly, the theme of physical expression of the human body.
Degas is closely associated with ballet paintings. He often visited the Opéra de Paris (Palais Garnier) and created many bold compositions based on his observations of the dancers on stage, in practice, and at rest. The illustrations for the book Degas Danse Dessin, based on Degas’s sketches of fleeting movements of dancers and nudes, reveal the artist’s interest in the beauty of the physical body. Degas’s expression of graceful female movements appear in his sculptures as well, and became an important subject for glassworks by Lalique and others.

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Edgar Degas, In the Dance Foyer, ca. 1884

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Edgar Degas, Spanish Dance,
ca. 1885-1890

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Gabriel Argy-Rousseau,
Vase with Dance Design, 1923

III. A Symphony of Flowers

This section introduces paintings and glasswork depicting flowers.
A passion for gardening swept Europe in the latter half of the 19th century. For Emile Gallé, who observed many types of flowers that he himself cultivated, the subject of flowers was a life-long motif. He found and gave expression to the beauty of flowers in full bloom, but also that of flowers in stages of natural decay. Claude Monet, who created his own garden and lily pond at Giverny, tirelessly depicted the differing expressions, depending on the season and time of day, of the water lilies and the surface of the water.
In contrast Odilon Redon often depicted flowers not found in reality. His strangely shaped flowers might have green petals or pink leaves, or seem to defy gravity with floating extended stems and fantasy shapes.

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Claude Monet, Water Lily Pond, 1899

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Emile Gallé, Vase with Chrysanthemum Design, ca. 1900

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Emile Gallé, Vase with Poppy Design, ca. 1900

ポーラ美術館 コレクション名作選

会 期:2019年8月10日(土)-2019年12月1日(日) *会期中無休
会 場:展示室4・5

ポーラ美術館のコレクションの中から、3つのテーマに沿って絵画、版画、ガラス工芸、化粧道具、彫刻等を展示します。

Ⅰ.美のハーモニー

ポーラ美術館では、19世紀後半から20世紀にかけて描かれた女性像を多数収蔵しています。流行のファッションで着飾り、夢みるようなまなざしを投げかけるルノワールの少女像。ヨーロッパ留学からの帰国後、日本やアジアの美へと目を向け始めた藤島武二や梅原龍三郎の女性像。そして身体の優美なラインと柔らかな肌が際立つ裸婦像など、洋の東西を問わず多彩な女性像が生み出されてきました。
個性豊かで魅力的なモデルたちのポートレートや、女性を美しく彩るための化粧道具など、「美」をテーマとしてコレクションから名品を選りすぐりました。ファッションや身ぶり、まなざしや表情、人間の身体に宿るありのままの美しさなど、多彩な「美」が織り成すハーモニーをお楽しみ下さい。

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ピエール・オーギュスト・ルノワール《レースの帽子の少女》1891年

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アメデオ・モディリアーニ
《ルニア・チェホフスカの肖像》1917年

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岡田三郎助《あやめの衣》1927年(昭和2)

Ⅱ.ドガのバレエ

ここではバレエなどの舞踊や、それに伴う身体表現をテーマとした作品をご覧いただきます。
バレエと深く関わりのある画家として、真っ先に思い浮かぶのはドガでしょう。ドガはオペラ座に足しげく通い、舞台上の踊り子の姿だけでなく、彼女たちの稽古や休息の場面を、大胆な構図を用いて繰り返し描きました。『ドガ・ダンス・デッサン』に収録された、ドガの素描をもとにした挿絵からは、踊り子や裸婦の一瞬の動きや、身体の造形美に対する画家の関心をうかがうことができます。女性たちの優美な動きの表現は、ドガの彫刻作品にも活かされただけでなく、ラリックらによるガラス工芸品においても重要な主題となりました。

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エドガー・ドガ《踊りの稽古場にて》1884年頃

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エドガー・ドガ
《スパニッシュ・ダンス》
1885-1890年頃

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ガブリエル・アルジー=ルソー
《踊り子文花器》1923年

Ⅲ.花のシンフォニー

ここでは、絵画とガラス工芸の作品から、さまざまな花の表現をご紹介いたします。
19世紀後半、ヨーロッパを席巻した園芸ブームのなかで、ガレは自ら数多くの花を育てて観察し、生涯にわたって花をモティーフとした作品を制作しました。ガレは、花が咲き誇る様子だけでなく、次第に朽ちゆく姿にも美しさを見出し、表現しています。モネもまた、ジヴェルニーの自邸の庭に睡蓮の池を造成し、季節や時間によって異なる表情を見せる水面と睡蓮の花を見つめ、繰り返し描きました。
一方でルドンは、現実には存在しない花をしばしば描きました。緑色の花弁やピンク色の葉など、不思議な造形を見せる花々は、重力から解き放たれたように茎を伸ばし、幻想的なさまを醸し出しています。

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クロード・モネ《睡蓮の池》1899年

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エミール・ガレ《菊花文花器》1900年頃

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エミール・ガレ《ケシ文花器》1900年頃

Tomomi Hanzawa―The Histories of the Self

Aug. 10(Sat), 2019 - Dec. 1(Sun), 2019
The “Hiraku Project” is conceived as a series of exhibitions introducing contemporary artworks by Pola Art Foundation Grant recipients. The exhibitions are to be held at the Atrium Gallery, recently established to celebrate the 15th anniversary of the Pola Museum of Art. “Hiraku” translates as ‘open,’ in the sense of ‘responsive to new possibilities.’ We are pleased to present Tomomi Hanzawa’s The Histories of the Self as the 9th exhibition in our HIRAKU Project.

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The series of The Histories of the Self ©tomomihanzawa

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The series of The Histories of the Self ©tomomihanzawa

半澤友美「The Histories of the Self」展

会期:2019/8/10(土)~12/1(日)
場所:アトリウム ギャラリー

ポーラ美術館は、開館15周年にあたる2017年に公益財団法人ポーラ美術振興財団の助成を受けた現代美術作家の活動を紹介する「アトリウム ギャラリー」を新設し、芸術表現と美術館の可能性を「ひらく」という趣旨の「HIRAKU PROJECT」行っております。
第9回目の展示として半澤友美「The Histories of the Self」展を、2019年8月10日(土)から12月1日(日)まで開催します。

半澤友美(1988-)は、紙(かみ)漉(す)きの手法で、紙の原料となる植物の繊維から独自の造形物を制作するアーティストです。漉(す)いたばかりの紙は水分を含み不安定な状態ですが、乾燥するにしたがって密度の高い強固な物質になります。半澤はそのような紙の性質を活かしてさまざまな形や大きさの作品を生みだしてきました。紙を構成する繊維どうしの交わりや、紙と紙そのものがおかれた空間との関係性を自己の存在する社会に見立て、おもに立体やインスタレーションとして発表しています。

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本展では、開放的な展示空間の特性を考慮しながら丹念に制作された、約300枚の紙で構成するインスタレーションを初公開いたします。「The Histories of the Self」というタイトルは、このインスタレーションの制作方法に由来するものです。半澤は、植物の繊維が絡み合った、着色された原料を平らな板の上にスポイトで点々と垂らし、それを幾層も重ね、プレスにかけて一枚の紙を作ります。

こうして制作された数多の紙は、赤や朱、紫、褐色などの紙の原料の選び方や厚み、プレスのかけ具合などの条件によってそれぞれ異なります。

人それぞれに個性があるように、自身が手がける紙にもそれぞれ個性がある、と半澤は言います。紙の素材感豊かな本作品は、素材のもつ儚さやまだらな色のありようによって、不穏な雰囲気を漂わせ、観る者それぞれが積み重ねてきた時間の存在と向き合うことをうながしています。

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半澤友美「The Histories of the Self」の連作より 2019年 ©tomomihanzawa

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半澤友美「The Histories of the Self」の連作より 2019年 ©tomomihanzawa

シンコペーション:世紀の巨匠たちと現代アート

会期:2019年8月10日(土)-12月1日(日)

モネ、セザンヌ、ピカソ――。巨匠たちと出会う現代アート

ポーラ美術館における初の現代美術展となる本展では、ポーラ美術館の絵画、彫刻、工芸など多岐にわたるコレクションを、現代美術の第一線で活躍する作家たちの作品とともに広く紹介いたします。音や映像、インスタレーションといった多様な方法で表現される現代の作品と、19~20世紀の巨匠たちの作品を呼応させることで、それぞれの作品を新たな視点から体験いただける展覧会となるでしょう。

睡蓮

クロード・モネ《睡蓮》1907年 ポーラ美術館蔵

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セレスト・ブルシエ=ムジュノ《クリナメン v.1》2013年
Installation view: National Gallery of Victoria, Melbourne
© Céleste Boursier-Mougenot
Photo: NGV Photographic Services Department
Courtesy: Galerie Xippas, Paris, France; Paula Cooper Gallery, NYC

Enrico Isamu Ōyama―Kairosphere

Mar. 23(Sat.), 2019 - Jul. 28(Sun), 2019

The “Hiraku Project” is conceived as a series of exhibitions introducing contemporary artworks by Pola Art Foundation Grant recipients. The exhibitions are to be held at the Atrium Gallery, recently established to celebrate the 15th anniversary of the Pola Museum of Art. “Hiraku” translates as ‘open,’ in the sense of ‘responsive to new possibilities.’
We are pleased to present Enrico Isamu Ōyama- Kairosphere as the 8th exhibition in our HIRAKU Project.

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FFIGURATI #207 2018
Airbrush, acrylic aerosol paint, latex paint and sumi-ink on canvas mounted on aluminum stretcher (6) 244×914 cm
Collection of the Artist
Artwork © Enrico Isamu Ōyama Photo © Go Sugimoto

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FFIGURATI #9 2009
Acrylic aerosol paint on acrylic cube (3) 182×91×40 cm (each)
Collection of the Artist
Artwork © Enrico Isamu Ōyama

大山エンリコイサム―Kairosphere

会期:2019年3月23日(土)-7月28日(日)

ポーラ美術館では2017年の開館15周年を記念して、同年10月に公益財団法人ポーラ美術振興財団の助成を受けた現代美術作家の活動を紹介する「アトリウム ギャラリー」を新設し、芸術表現と美術館の可能性を「ひらく」という趣旨の「HIRAKU PROJECT」を開始しました。
第8回目の展示として、大山エンリコイサム「Kairosphere」を開催いたします。

ニューヨークを拠点に活動する大山エンリコイサムは、「クイックターン・ストラクチャー」と呼ぶ表現を用い、制作を続けるアーティストです。「クイックターン・ストラクチャー」とは、地下鉄や都市の壁などにかかれたライティング(グラフィティ)の文字や色彩を取り除くことで見えてくる描線の型「クイックターン」を使用して画面を構築する、大山独自のスタイルです。彼は過去15年間にわたり、カンヴァスや壁、ファウンド・オブジェクト、さらにコム・デ・ギャルソンとのコラボレーション(2011年春夏パリ・コレクション)では衣服など、多様なメディアに「クイックターン・ストラクチャー」を展開してきました。

国内初の美術館での個展となる本展では、初公開となる新作の絵画《FFIGURATI #207》(2018年)を展示いたします。縦244cm、横幅914cmという過去最大の絵画作品は、15年間の制作活動で積み重ねられてきた「クイックターン・ストラクチャー」の集大成とも言えるでしょう。また、彼にとって制作の節目となった、アクリルを用いた立体作品《FFIGURATI #9》(2009年)も併せて展示することで、これまでの探究の軌跡をご覧いただけます。

本展タイトルの「Kairosphere」(カイロスフェア)は、「kairos」(時間)と「sphere」(圏)を組み合わせた大山による造語です。「kairos」は主観的な時間の概念であり、彼が制作のプロセスの中で感じた内面的な時間を表しています。また「sphere」は「stratosphere」(成層圏)や「atmosphere」(大気圏)といった語の接尾辞ですが、彼はこれを気体のように不定形かつ流動的な空間と定義しました。これらを組み合わせた「Kairosphere」には「緩やかにふくらむ、時間と空間の圏域」という意味が込められています。
このタイトルに示されるように、本展覧会では「クイックターン・ストラクチャー」が作品の物理的な枠と制作の時間を超え、空間全体に満ちていくようなインスタレーションをご体感いただけるでしょう。

3月23日(土)には、16:00より、アーティストトークを開催いたします。

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大山エンリコイサム《FFIGURATI #207》2018
エアブラシ、アクリル性エアロゾル塗料、ラテックス塗料、墨/カンヴァス(アルミニウムストレッチャーにマウント) 244×914 cm
Artwork © Enrico Isamu Ōyama Photo © Go Sugimoto

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大山エンリコイサム《FFIGURATI #9》2009
アクリル性エアロゾル塗料/アクリルキューブ
Artwork © Enrico Isamu Ōyama